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西方音乐史上的新高峰----古典主义时期(一)


2020-12-28 Sisyphus Sky    

 

各位早晨好,新的一周。前面我们用了差不多十期的篇幅回顾了从中世纪宗教音乐到文艺覆兴时期再到巴洛克时期的西方音乐发展,今天开始,我们来一同走进西方音乐史上的一个新的代纪:

古典主义时期(1750—1820)

在这个时期,整个世界发生了很多变化,启蒙主义思想逐渐兴起,君权民授、人权至上的观念逐步深入人心,人民主权说、社会契约论这些崭新的理念成为社会发展的主导思想,欧洲各国的经济隨著大航海时代带来的大量財富和工业时代的到来而有了很大的发展。这个时期西方音乐也体现出了与以往不同的特点。

很多朋友虽然对欧洲的历史很了解,但是对於西方音乐的作曲家和演奏家所处的年代並没有很清晰的了解,比如常常有朋友搞不清莫扎特和贝多芬谁的年龄大, 为了使您对这个时期的历史人物和事件有一个清晰的印象,我们先来列一个编年表,这其中有作曲家也有这个时期的其他重要历史人物,我们在此先不用理会到底谁是谁,就把是个名单列在这里,在其后的分享中,自然会提到这些人,到时候自然就能对號入座了。

1697约翰·约阿希姆·匡茨(1697—1773)

1701乔瓦尼·萨马尔蒂尼(1701—1775)

1706本杰明·富兰克林(1706—1790)

1710路易十五(1710—1774)

1712让-雅克·卢梭(1712—1778)

1714克里斯托弗·维利巴尔德·格鲁克(1714—1787)、C. P. E. 巴赫(1714—1788)

1717约翰·施塔米茨(1717—1757)、玛丽亚·特蕾莎,奥地利女皇(1717—1780)

1719约翰·霍金斯爵士(1719—1789)

1726查尔斯·伯尼(1726—1814)

1732弗朗茨·约瑟夫·海顿(1732—1809)

1735约翰·克里斯蒂安·巴赫(1735—1782)

1738英国乔治三世(1738—1820)

1739卡尔·冯·迪特斯多夫(1739—1799)

1743卢伊吉·博凯里尼(1743—1805)

1749约翰·沃尔夫冈·歌德(1749—1832)

1755玛丽·安托瓦內特,法国皇后(1755—1793)

1756沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特(1756—1791)

1760路易吉·凯鲁比尼(1760—1842)

1769拿破仑·波拿巴(1769—1821)

1770路德维希·范·贝多芬(1770—1827)、《弥赛亚》首次在纽约上演

1775美国独立战爭(1775—1783)

1776伯尼的《音乐史》出版、《美国独立宣言》发布

1789法国大革命爆发

1790海顿第一次到伦敦

1794海顿第二次去伦敦

1795巴黎音乐学院建立

1799贝多芬完成《第一交响曲》

社会文化对音乐的影响

莫扎特一家在演奏:《利奥波德·莫扎特和他的孩子们》,沃尔夫冈和娜奈尔,路易·卡洛吉(Louis Carrogis)的水彩画。(艺术和历史档案馆,柏林)

“古典”(classic)一词在此指的是 18 世纪的音乐。历史学家也用此词描述那些主要关注形式、逻辑、平衡和节制性表现的艺术,此类艺术以古希腊和古罗马艺术为典范。不幸的是,对於古典音乐而言,並没有此类典范可供模仿。因而,应用於音乐的“古典”一词指的是 18 世纪作曲家的作品,他们的音乐带给听者的印象是清晰、安详、平衡、抒情以及情感表现的节制。在许多人眼中,古典主义时期是音乐史的高点之一。在这一时期,音乐讚助制度和音乐功能方面有了许多重要的发展。

18 世纪晚期的一个重要特征是启蒙运动,它影响著社会的诸多领域——神学、哲学、科学、道德、政治和艺术。启蒙运动的主要特点之一是从传统的基督教神学向以社会平等为基础的道德观的转变,以及从政府专制权威向思想和行为更高程度的独立和自由的转变。启蒙运动对音乐的影响包括讚助制度性质的变化,尤其是在教会和贵族宫廷方面。

奥地利和德国成为了重大音乐活动的中心。在这两个国家里,许多王宫贵族都能够保持其独立性。这与法国和英国形成了对比,在这两个国家中,几乎所有贵族的生活都要在一个中心权力的影响下进行。然而,在奥地利和德国,这些小型宫廷在很大程度上放弃了自己在政治和经济上的独立权,却保持了其艺术和社会地位的独立性。这些宫廷在艺术和社会问题上甚至存在更为激烈的竞爭。此外,这些地方拥有悠久的器乐音乐传统和丰富的音乐人才,並且所有阶层对音乐都有著天然的热爱,艺术上的宏愿与雄厚的经济实力相结合——所有这些因素为热情的讚助制度提供了完美的条件。

作曲家依赖於在艺术趣味上具有敏锐的判断力的宫廷或贵族阶层的讚助。这一社会上层不仅优雅高贵、颇富鉴赏力,而且拒绝与故作高深或情感宣泄扯上任何关系。理性时代和启蒙运动高度重视智性上的追求,而强烈怀疑一切对於情感的依赖。

音乐厅和歌剧院成为了稳固確立的机构建制。因此,所有的社会阶层都可以享受创造活动的成果(无论这些成果是否是贵族阶层的產物)。女性在歌剧和教堂音乐的公开表演中发挥著日益重要的作用。

出版社的建构已相当完备,对作曲家和公众都发挥著强大的影响力。出版商不仅使音乐作品得到了更为广泛的传播,而且对某些作曲家予以支持和拥护,但也同样对其他作曲家造成了伤害。
教会对音乐的讚助普遍减弱。18 世纪,新教和天主教中都出现了某些改革运动,但这些运动並没有为宗教音乐的持续发展提供合適的环境。当然,贵族社会相当肤浅的心態也没有在对將宗教音乐保持在巴洛克时期的水平方面有任何的作为。

音乐的功能

古典主义时期的音乐服务於一个具有高度鉴赏力的贵族社会。音乐最普遍的功能是在高级奢华的沙龙里为宾客提供令人愉悦的娱乐活动。与巴洛克音乐常常具有描绘性的特征不同,古典音乐更为抽象,並倾向於避免对音乐以外的事物进行再现。然而,这一时期的“狂飆突进”(Sturm und Drang,以一场文学运动而得名)运动,以其对动力性和高度情感化的强调,在某种程度上掩饰了上述断言。

规模更大且具有艺术鉴別力的听众群体讚助著公开的管弦乐音乐会和歌剧的优雅演出。

这是一个时兴业余音乐表演(包括声乐和器乐)的时代,音乐在家庭中也发挥著重要的作用。许多作曲家被要求为业余的音乐消费活动写作室內乐以及独唱和重唱作品。当然,对於一个热衷娱乐活动的社会阶层而言,对舞蹈音乐的需求也非常普遍。尽管教堂不是主要的讚助者,但仍旧要求作曲家以当时盛行的世俗精神为其礼拜仪式谱写宗教音乐。

风格与表演实践

以下风格特征在某种程度上適用於古典主义时期的所有声乐和器乐形式。

形式组织

古典主义音乐作品通常以 ABA 的曲体形式围绕两个对比主题而构建。这部分的目的是要反对覆调音乐的覆杂性,在某种程度上也是为了创造一种可以为所有受众(贵族和中產阶级)所理解和享受的形式。古典音乐的形式特征是对称、精確、清晰,各个段落都由终止式来明確划分。乐段往往是平衡的,经常以 8 小节的乐句为单位。

所有形式和语匯的民间音乐被逐渐引入到了古典音乐中,包括室內乐和交响乐以及歌剧和歌曲。这一点尤其体现在海顿的作品中,他的音乐中采用了克罗地亚等地的旋律和节奏。民间音乐的使用无疑是由於古典主义时期听众的多样性的结果。

旋律

这一时期的音乐强调带有平缓的旋律轮廓的抒情性。不同於此前音乐通常较短的、隱秘的旋律手段,旋律被扩充为了双乐句或多乐句。装饰音(往往写在乐谱中)成为了抒情旋律的组成部分,模进模式成为了正式使用的手段,直至成为一种陈词滥调。这些特点,以及戏剧性的力度变化和表现性的半音音响,是“情感风格”的重要特征。

和弦结构常常是旋律构造的基础。快速的上行和弦模式经常被称为“火箭音型”(rocket figure)。

节奏

古典主义作曲家通常写作简单持续的节奏模式,由明確的节奏终止进行划分。这些节奏模式中存在著一种统一性的倾向。覆节奏(Polyrhythns)不再像在此前音乐中那样使用了。古典主义时期的一种重要的节奏手段是“阿尔贝蒂低音”(Alberti bass),將三和弦分解为各个音符,產生出一种重覆节奏模式中的分解和弦音型(谱例 6.2)。

施塔米茨《G 大调交响曲》,其中包含“火箭”主题。

阿尔贝蒂低音

休止成为了古典主义时期的一种表现性的节奏因素。例如,强有力的终止式之后时常有一个小节的休止,为的是强化终止式的效果。各个乐章或段落的速度往往从头至尾保持一致。

和声

在这一时期的音乐中,和声相对比较简单,使用主要的和弦及其转位,以及各种七和弦

 

此时期的和声为调性和声,带有运动缓慢並从属於旋律的和声节奏。这便產生了一种主要为主调性质的风格。由於低音声部不再承担旋律功能,因而巴洛克时期女高音声部与男低音声部之间的对极性消失。由此,通奏低音的实践也不再延续。

莫扎特《钢琴奏鸣曲》K. 570 所展示的简单的和声。

 

各个主题和乐章之间存在一种形式上的调性关系。这些关系能够在没有引入新材料的情况下提供音乐上的对比和趣味。在奏鸣曲式的呈示部中,第一主题在主调。第二主题则处在主调的属调中,或者若主调为小调,则第二主题在主调的关系大调。发展部通常包括离开主调或属调的一系列转调,最后回到主调。再现部中,第二主题也在主调呈现,由此调和解决了调性关系,使得这一乐章能够以主调的终止式结束。乐章之间调性关系的变化要少一些。通常,除第二乐章外,所有乐章都在同一调性,第二乐章则用下属调、属调或关系小调。如果第一乐章是小调,那么末乐章有时为平行大调。

最常用的终止式是 IV-V-I,最后的主和弦在强拍上出现。

正格全终止(强拍上)

非强拍上的终止式也常被使用。

正格全终止(弱拍上)

 

音乐织体

古典音乐的织体本质上是主调织体,以抒情的旋律为主导。即便出现覆调织体,其线条也有著高度的清晰性和透明性。在管弦乐音乐中,这种织体的清晰性通过对比音色而得到了强调。

 

乐器法和音色

古典音乐最普遍的音乐表现手段——管弦乐、室內乐(包括弦乐和管乐)以及独奏器乐音乐——是器乐性的

 

管弦乐队的组成部分包括弦乐组(由大约 26 人组成)、成对编制的管乐组(如长笛、双簧管、单簧管、大管、圆號、小號等),作曲家也可根据自己的需要加入定音鼓。尽管羽管键琴仍常常是低音线条的组成部分,並为和声织体发挥自己的作用,但到了 18 世纪末该乐器的使用却大为减少。

琉特琴和羽管键琴是文艺覆兴时期和巴洛克时期的家用乐器,但在 18 世纪晚期这两件乐器作为室內乐器而为钢琴所取代。器乐室內乐变得非常流行。大量业余演奏者和贵族社会的亲密氛围为此类音乐的发展提供了適当的环境。古典音乐的一些最杰出的作品来自弦乐四重奏、钢琴五重奏、三重奏和独奏奏鸣曲曲目文献。

除歌剧外,声乐音乐较为次要,但仍旧以宗教音乐、民间歌曲的形式延续了下来。对歌剧的需求非常之大,这一点可由作曲家创作的大量歌剧作品中看出来。

今天的分享就先告一段落,更多精彩的分享內容正在陆续推出,请大家关注。让我们用神赋予的能力一同在世间传播真善美的声音,荣耀神,得神的喜悦。

 

Sisyphus Sky

Nov.23.2020

 

我生本无乡,心安是归处。

Après moi, le déluge.

Merci.  

谢谢大家



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